Criticas criticas del critico

 Insobornable.

Este insobornable crítico de medio pelo y gesto hosco, que, mientras mantienes trato afectuoso califica tus creaciones de “joyas literarias” pero que cuando el trato se vuelve distante comenta tus escritos como si le hubieras mencionado a su señora madre…

Es divertido saber que influye mucho más en su lectura que no le permitas incidir en tu vida privada a si le gusta o no lo que lee.

Internet está lleno de aspirantes al reconocimiento de lo bien que critican un texto literario. Y para conseguir ese reconocimiento, hacen una crítica plagadita de tecnicismos, cultismos, retruécanos, muchos “como se observa en tu frase…”, cientos de “atendiendo a la temática de tu narración”, con lo que, cuando una lee su crítica se ha emperejilado de pedantería en el tercer párrafo; mayormente porque se aburre.

Para criticar un texto literario no hace falta más que tener la voluntad de meterse en la piel de quien lo ha escrito y decirlo en un lenguaje accesible. Otra cosa es imitación de lecturas de El País o similares.

Ninguno somos Umbral, ni falta que nos hace; y en cuanto a que nos reconozcan lo bien que criticamos, no sirve más que para mirarnos el ombligo que, lo mismo, lo tenemos sucio.

Patetismos literarios.

Olvidar el patetismo en la literatura debería ser una aspiración común. Esta afirmación, que ya comprendo que es muy taxativa, viene a muchos cuentos de muchas últimas lecturas, tanto virtuales (en Red) como reales (en formato impreso).

A veces, leyendo los ditirambos solemnes con que se habla de distintos temas, tanto de actualidad como de creación puramente artística, me pregunto si el escritor no tiene conciencia de estar asentado digamos que “pomposamente” sobre su augusto trasero y, desde esa posición, emitir textos que, la mayoría de las veces, a mí me suenan a falsos.

Leo en exceso, artículos, cuentos, novelas, narraciones, poemas … y hay días en los que termino como vulgarmente se dice, hasta el moño de tanta grandilocuencia.

Y luego, válgame dios, vienen los críticos, los excelsos críticos, con su lenguaje de couché, a dictar sentencia, con su palabrería rimbombante, llena de frases subordinadas, encabalgadas, de lo más serias ellas, hablando de “la estructura semántica” del “universo narrativo” del “fallo en la unión nexal”…

Carajo; todo eso para decir pura y simplemente que el escrito es malo o bueno según su criterio.

Este patetismo patético, sí; de considerar que lo que se escribe es muy importante, requeteimportante, importantísimo, que nos hace inflarnos como globitos, y ascender, ascender , hasta la lamparita del cuánto valgo por dios, y, desde allí sentar cátedra.

Visiones Dantescas Por : Virginia Seguí Collar

 ( Retrato de Dante

 -Giotto)

El variado y atrayente mundo que el autor duoccentista, Dante Alighieri (1265-1321), creó en sus obras, como la Vida Nueva y, sobre todo en la Comedia, que pronto consiguió el calificativo de Divina, epíteto que pasó a formar parte del título desde la edición veneciana realizad por Giolito en 1555, se ha convertido con el paso del tiempo, en un mundo conocido por todos y gracias al éxito que sus temas han tenido en el campo de la plástica constituyendo un lugar común de nuestro imaginario colectivo.

El éxito de Dante como poeta fue bastante inmediato, nacido en el seno de una noble familia florentina, era un personaje conocido y respetado por sus contemporáneos; sus actividades literarias tuvieron repercusión en su época; era asiduo de los círculos literarios y artísticos de su ciudad y se relacionaba con Guido Cavalcanti, Lapo Gianni o Cinno da Pistoia, poetas como él y con artistas como Giotto quién al parecer realizó su primer retrato. También era conocido en los círculos políticos ya que tomó partido y participó activamente en las luchas entre güelfos y gibelinos, provocando, incluso su exilio. Su obra literaria se inscribe dentro del stil nuevo, movimiento literario del que Dante será principal representante. Sus obras, sobre todo la Divina Comedia tendrán una gran difusión.

Para el estudio que nos proponemos realizar seleccionaremos dos de sus obras, las de mayor repercusión dentro del mundo de la plástica: su Vida Nueva y La Divina Comedia. La primera de ellas una obra de juventud, fechada en 1293-4, en la que narra y canta su amor por Beatriz Portinari y la segunda, su obra cumbre, cuya redacción le lleva buena parte de su existencia ya que según los expertos su realización comienza en 1307 y aunque no se pueda concretar la fecha de su finalización sí conocemos el dato de que en 1319 se dedicaba a la composición de El Paraíso su última parte. Estas dos obras han sido fuente de inspiración para muchos artistas de todos los tiempos, no solamente para aquellos que expresamente se han dedicado a ilustrar sus diferentes ediciones, sino también para otros que se han inspirado en ellas para la realización puntual de alguna de sus obras, entre unos y otros podemos citar a Botticelli, Signorelli, del Castagno, Baldini, Rafael, Miguel Ángel, Menling, Von Volgelsgestein, Fontebasso, Gurana, Koch, Delacroix, Blake, Rosseti, Corot, Rodin, Doré, Zuccari, Legrand, Martini, Dali o Barceló.     

                                                                       

 (Retrato de Dante- Signorelli. Catedral de Orvietto)

 (Andrea del Castagno- Dante. Galería de los Uffizi. Florencia)

El propio artista y su obra han sido desde fechas muy tempranas objeto de representación entre las más destacadas se encuentran; el que está considerado primer retrato de Dante realizado por el Giotto en la Capilla del Palacio Podestà de Florencia o del Bargello, según atribución de Vasari, y que tendría como valor añadido el ser uno los primeros retratos de personajes individualizados inscritos ya en un prerrenacimiento propio del Treccento italiano. Sin entrar en las disquisiciones de la veracidad de la atribución, que los expertos mantienen en discusión, lo que sí es cierto es que la imagen ha creado escuela y ha servido de modelo para muchas de las representación del poeta desde entonces que, con ciertas variantes, aparece generalmente con la vestimenta típica de los florentinos de la época y con un libro, que representaría su dedicación a la literatura, o la propia individualización de La Divina Comedia como su mejor obra. Entre estas representaciones posteriores estarían: el retrato realizado por Lucca Signorelli en la Capilla de San Brizio en la Catedral de Orvieto, el de Andrea del Castagno realizado para la Villa Carducci hoy transferido a lienzo y expuesto en la Galería de los Uffizi de Florencia o el de Von Stürler en 1850, actualmente en el Kunstmuseum de Berna,  para ir acercándonos en el tiempo los realizados por Tom Phillips encuadrado dentro de una serie de bocetos de imágenes de Dante en 1977, expuesto en la Galería Malborough de Londres y el realizado por Dalí, hacia 1960, en serie de ilustraciones realizadas para una nueva publicación la Divina Comedia; siendo estas dos últimas obras interpretaciones propias de los movimientos artísticos en los que se encuadran ambos artistas.

                                  

                         (Von Sturler-Dante- 1850-Berna Kunstmuseum)

                                                                                   

                                         

(Tom Philips-Boceto de Dante-Galería Malborough-Londres-)

Las mejores representaciones plásticas de la Vida Nueva, obra de 42 capítulos, compuestos de breves composiciones poéticas comentadas en prosa, con un tema central basado en sus experiencias juveniles y la idealización de su amor por Beatriz, las encontramos en la Inglaterra victoriana y romántica; allí una generación de artistas realiza la recuperación del mundo clásico y medieval y, por tanto, el de Dante como su mejor representante; el pintor de nombre homónimo al del poeta Dante Gabriel Rosseti realiza los dibujos para ilustrar  una nueva edición de esta obra y recrea en ellos sus mejores pasajes; El sueño de Dante en tiempos de la muerte de Beatriz (c. 1848) es una muestra de ello, el poeta tiene un sueño premonitorio de la muerte de su amada y la ve tendida en su ataúd, sobre un suelo cubierto de flores y acompañada de un ángel, personificación del amor. Henry Holiday, otro del grupo de pintores prerrafaelistas, se inspirará también en la Vida Nueva para realizar su obra: Encuentro de Dante con Beatriz en Florencia (c. 1850), imagen que fue, posteriormente, comercializada como tarjeta postal lo que da idea de su popularidad.

 

(Dalí. Ilustración para la publicación de

La Divina Comedia )

                                                                  

                                                                                   

                                                   (El sueño de Dante en Tiempos de la muerte de Beatriz. -Rosseti-  )       

    

 Pero de entre las obras de Dante la de mayor entidad literaria y posibilidades plásticas es La Divina Comedia el repertorio de descripciones que el poeta presenta en su relato es extraordinario lo que ha contribuido a su éxito iconográfico. Dante presenta en ella un viaje, su propio viaje que tiene como fin práctico el conocimiento de Dios, el alma que peregrina en el tiempo en busca del bien absoluto, en ese viaje plantea su visión del mundo, un mundo todavía medieval de claras connotaciones tomistas y  ptolomeicas en sus planteamientos.

                                                                  

 (Holiday. Encuentro de Dante con Beatriz en Florencia)

El poema de Dante Alighieri se divide en tres partes: Infierno, Purgatorio y Paraíso, compuesta cada una de ellas de treinta y tres cantos de parecida extensión y escritos en tercetos encadenados; exégesis del número tres, número perfecto que simboliza lo acabado; a estos noventa y nueve cantos se une otro que prologa el poema formando un múltiplo de diez, otro número con simbología de perfección y totalidad y que rige la concepción de otros libros de la Antigüedad como, por ejemplo: El Antiguo Testamento, que es a la vez símbolo del Universo.

Nos quedaremos aquí, con Dante, en el inicio de su poema, delante de las Puertas del Infierno, pendientes de un próximo capítulo en el que acabaremos de ver este mundo dantesco.

Haikus y Sainetes

Haikus en Salou.

La poesía es habitualmente algo que ni se lee ni se compra. Habría que matizar diciendo que se compra (aunque no se lea y decore los estantes) la poesía de los presuntos poetas que cuando editan ya salen al mercado con la cifra de ventas bajo el brazo. Por eso, escribir poesía y cometer la osadía de publicarla para quien no tiene “padrinos” culturales es un enorme acto de transgresión y además un suicidio consentido para el libro que se publica.Y todavía si el libro que se edita y se presenta fuese un libro “tipo”…es decir, un alegato en contra de algo, o un furibundísimo  lamento de amor, o un reconcentrarse en la “incomunicación social que nos aqueja” – cosas estas todas de muy buen ver-, pues tendría más compradores que al menos podrían presumir de eso que ahora se llama “contracultura”.Es sensacional y maravilloso subirse al carro de algo para poder vender más libros; si uno va de contracultural vende seguro. Si uno simplemente escribe, le dicen que porqué no hace cosas prácticas… El caso es que Montse Grao ha presentado y publicado un libro que no es contracultural, que será minoritario porque Montse no se va a dedicar a dorar ninguna píldora a ningún padrino con editorial en ranking de ventas, y porque para que se empiece a leer a quien escribe muy bien, como es su caso, hace falta menos mamoneo y más decencia en los canales de distribución.Su libro es un libro de Haikus. Un haiku es una estructura métrica de tres versos de cinco siete y cinco sílabas. Sus orígenes a pesar de todas las manías por datarlo son algo inciertos pero se puede afirmar que nos llegan del Haikai japonés  Aunque el tema principal, más típico del haiku es la naturaleza, también hay haikus sobre la vida cotidiana, el amor, la incomunicación…                             

El libro de Montse Grao relata a través de esta estructura el paso de un verano en Salou. Dicho así puede ser sonar nimio. Pero la autora expresa  en ese paso, en ese detenerse suyo ante las cosas todo el temblor de un instante fugitivo que ella apresa.

Nos regala paisaje, sentimientos, vida, dibujos, tornasoles, esperanzas, miradas, en cada poema de tres versos. Como un retratista del estío; como si su escritura fuera un dibujo silueteado en tonos suaves para no olvidar, añadiendo a muchos de los poemas fotografías de su autoría que acompañan y completan lo dicho.

Y por eso el título Desde el mar en el mar  es una ventana que abre, un mirador, un balcón.

Una bella edición de una editorial  zaragozana (Uriol) que lo ha querido publicar, para alegría de quienes nos gusta la poesía bien hecha y pasamos de superventas y olé.

 

Puro Teatro.

Ir a ver representar los Sainetes de Ramón de la Cruz hace pensar de entrada en una serie de textos clásicos, dichos en verso o en prosa, por actores con peluca. Esto conlleva el riesgo de pensar que si no te atrae esencialmente el teatro clásico te vas a aburrir.

Y eso sería verdad si no estuviera por medio un enamorado del juego escénico como parece ser Ernesto Caballero.

Yo no sé si Ramón de la Cruz se pudo imaginar alguna vez que sus sainetes iban a servir para montar una traca tal de carcajadas, ternura y delicadezas como monta el director de la obra gracias a  que debe pensar que el teatro es un juego ilusionista donde el espectador también existe.

Hay que agradecerle a Ernesto Caballero que haya resucitado algo que parecía olvidado; la magia teatral, el sueño de la existencia más allá de la obra, la percepción del espectador como cómplice, el gusto por la mezcla de la irrealidad y la realidad, el juego entre lo percibido y lo insinuado, en suma la creencia en que escenario somos todos.

Si a todo eso se le añaden violines, cantos, trucos escénicos que mira que es difícil que los “directores serios” se mojen en este extremo, complicidad y belleza, resulta que lo de menos son los cuatro sainetes del autor y lo de más, la sensación al salir del allí de que ni una sola de las funciones es igual que la del otro día, que en todas habrá algo que sea distinto, que cada vez que se abra el telón, la “compañía” que está esperando para representar al autor que no llega, inventará algo nuevo llamado Teatro.

Alena. Collar.

Ferias, exposiciones y batiburrillo que les contamos…

Pues saludos cordiales a los que reincidan en la lectura de esta Revista, que, miren ustedes por donde va por el número dos, y yo que no saben ustedes lo que me alegro, porque eso quiere decir que: Primero: todavía no me he aburrido de la cosa.Segundo: Quienes colaboran conmigo tampoco parece que hayan gruñido en exceso. Tercero, que contamos con lectores; casi mil. Casi número redondo. Y en poco tiempo. Así que casi casi nos aplauden las orejas…Y quería yo hacer un comentario sobre estas cosas – todo lo breve que pueda, para que empiecen ustedes a leer lo que importa, y no esta disquisición casi surrealístico lúdica:Que miren ustedes, que me han preguntado si iba a abrir posibilidad de comentarios en las distintas secciones y que por una vez he dicho que sí, que bueno. Que aparte de eso, tienen ustedes el “Y yo digo que”, para comentario general, y que lo sigan usando, caramba. Que si quieren colaborar manden sus colaboraciones a:alena.collar@gmail.com Y que ya veremos… Les traemos dos ferias y un batiburrillo.Vamos con el batiburrillo: Miren ustedes, salió hace días una noticia en Red que me parece interesante, se la traslado.

El Museo Sorolla se abre en la casa que hizo construir el pintor en 1911, donde trabajó y vivió con su familia los once últimos años de su vida.

La apertura del Museo al público se produjo el 11 de junio de 1932, para dar cumplimiento a un anhelo del artista. En palabras de Cossío, lo entrega al pueblo “como si devolviera una riqueza que de él procedía”. La generosidad de su esposa Clotilde García del Castillo y de los tres hijos del matrimonio, permitió dar forma a una nueva institución que enriqueció y llenó de luz el panorama museístico de la España de la época

Esto lo pillé de Terra, y apareció también en El País.com

Por otro lado en el Museo Nacional de Artes Decorativas, en Madrid, hay dos actividades que parece que están bien. Raquel Sigüenza nos enseña todos los domingos de mayo la titulada genéricamente “pieza del mes” que en este caso es según expresa el programa : “Alrededor de la Resurrección: dos relieves castellanos del siglo XVI”. De esta pieza se comenta que “Estos dos pequeños relieves formarían parte de un conjunto de medallones dedicados a la Pasión de Cristo. En ellos se narran dos momentos evangélicos: la llegada de las Santas mujeres al sepulcro, en el que un ángel les anuncia la Resurrección de Cristo, y el Noli me tangere, primera aparición del Salvador tras su muerte, en este caso a María Magdalena. La policromía, con abundancia de dorado y discreta decoración de líneas y pequeños puntos, se inscribe en el repertorio del momento” En el mismo museo todos los sábados de este mes hay una exposición sobre El mueble de asiento a través de la colección del MNAD, dice el programa que: “A lo largo de la historia, los asientos y modos de sentarse han ido evolucionando. Esta visita nos ofrece un panorama general de esta transformación a través a las numerosas tipologías que podemos encontrar en este museo: desde los arquibancos medievales hasta las sillas de Diseño de la Bauhaus.” Y la explica Lucía Aragón.